Con su exhibición dinámica de prendas, fotografías y bocetos en acuarela, la exposición de 2013 Stephen Burrows: When Fashion Danced , en el Museo de la Ciudad de Nueva York, hizo honor a su nombre y tipificó un excelente ejemplo de moda como arte de performance. Los maniquíes con poses cinéticas, vestidos con el estilo inconfundible de Burrows, una paleta llamativa, patrones de bloques de color y dobladillos ondulantes con bordes de lechuga, evocaban los movimientos de baile de alta energía de la escena de clubes de la década de 1970. El efecto fue tanto una actuación como una instalación, y en la inauguración repleta de estrellas, la modelo icónica Iman expresó su gran alegría de que los logros de Burrows en la moda se celebraran en un museo.
La ropa, una vez considerada como artefactos culturales o ejemplos de artesanía, pasó a ocupar un lugar central en las exposiciones de los museos cuando Diana Vreeland lanzó la tendencia. En 1972, el ex editor de las revistas Vogue y Harper's Bazaar tomó las riendas del Instituto de Vestuario del Museo Metropolitano de Arte (Met's) en la ciudad de Nueva York. Sus espectaculares exposiciones, concebidas con todo el estilo de una sesión fotográfica brillante, convirtieron una colección auxiliar en una atracción de alto perfil, atrayendo a multitudes sin precedentes, así como donaciones de alta costura moderna y contemporánea de generosos mecenas, ofrendas que transformaron los fondos históricos. Bajo la dirección de Vreeland, el atractivo popular de la moda fortaleció la noción de vestuario histórico.
Durante la última década, exposiciones como “Dangerous Liaisons” del Met (2004), una instalación de extravagantes prendas del siglo XVIII en las salas de época francesa, elevaron el estatus y el perfil de la ropa en las colecciones de los museos. Además, en 2011, la retrospectiva de moda "Alexander McQueen: Savage Beauty" rompió los récords de asistencia al Met para una exhibición de moda en su Costume Institute y redefinió la moda en términos de bellas artes. Un número sin precedentes de exposiciones en 2013 incluyó ropa, tanto histórica como de moda, como parte del concepto clave. El Met fue uno de los tres museos que montaron "Impresionismo, moda y modernidad", que presentó prendas auténticas instaladas junto con pinturas para celebrar el papel de la moda en la Francia de finales del siglo XIX, y el Met representó "Punk: Chaos to Couture,”Una exploración del punk como fenómeno cultural que borró la línea entre las artes, la vida en la calle, el estilo de vida y la moda. Otra muestra fue “Las apariencias engañan: los vestidos de Frida Kahlo”, en la Casa Azul (antes casa de la pintora en la Ciudad de México), en la que se presentó su vestuario poco ortodoxo como parte de su práctica artística.
Un abrazo correspondiente de la moda se vio en el arte contemporáneo. La artista belga Isabelle de Borchgrave se inspiró en los retratos de maestros del Renacimiento como Botticelli y Bronzino, así como en los diseños de alta costura clásicos de Mariano Fortuny y Christian Dior para sus impresionantes esculturas de prendas de vestir a gran escala; todos los elementos, decorativos o estructurales, se representaron meticulosamente en papel. Los Soundsuits de cuerpo entero de Nick Cave de Chicago fusionaron la mascarada con la escultura que se puede usar. El medio favorito del artista británico-nigeriano Yinka Shonibare fue la tela batik de doble cara hecha por la compañía holandesa Vlisco, a partir de la cual elaboró prendas de inspiración histórica. La tela Vlisco se creó por primera vez en 1846 como una alternativa fabricada a la técnica de trabajo intensivo del batik de cera de Indonesia. Luego se comercializó en África occidental y central,donde se hizo popular entre la élite local. Shonibare describe la tela como “mestiza” y la complejidad de sus orígenes agrega peso simbólico y belleza a sus provocativos cuadros.
Entre los jóvenes artistas estadounidenses, la moda proporcionó más que inspiración o iconografía; en términos de identidad y estética, era parte integral de su arte. Para vestir esculturas tan suaves como This Yellow Shell (2013) y Soul Elsewhere(2013), Shinique Smith, con sede en Brooklyn, manipuló camisetas, jeans y zapatillas de deporte. La extraña mutación de las prendas familiares aumentó la poderosa fuerza vital de sus formas curvilíneas. Kehinde Wiley se inspiró en pinturas europeas de renombre, pero como se ve en los ocho retratos de su exposición de 2013 "Memling", reemplazó a los santos y burgueses flamencos magníficamente vestidos de Hans Memling con jóvenes afroamericanos vestidos con el agresivo estilo urbano del hip-hop y Cultura callejera de Nueva York. Delano Brown había incorporado la moda de manera tan completa en su arte que pintó patrones florales en vestidos usados por modelos en vivo durante su exposición en la Smart Clothes Gallery en el Lower East Side de Manhattan. Brown dijo que su método (actuación parcial y producción parcial) hizo que el arte fuera accesible y señaló que, a diferencia de un "lienzo de 50.000 dólares,"Una prenda de vestir" es algo que todo el mundo comprende ".
En la reseña del crítico Holland Cotter de "White Petals Surround Your Yellow Heart", una exposición colectiva de 2013 (celebrada en el Instituto de Arte Contemporáneo de Filadelfia) que exploró la premisa de que "te pones lo que eres", elogió el hecho de que "el moda-como-arte "se había vuelto" desordenado y confuso ". Debido a que los límites que una vez dividieron la moda y el arte se habían vuelto completamente permeables, los diseñadores de moda se volvieron cada vez más relevantes como presencia en el mundo del arte. Por ejemplo, el diseñador de moda Karl Lagerfeld, que se había ganado una reputación como fotógrafo experto, montó en 2013 una exposición de "Grabados al fuego", imágenes retroiluminadas del tamaño de una pared grabadas al fuego sobre vidrio, en la Galerie Gmurzynska en St. Moritz, Suiza. . También en 2013, el diseñador de accesorios Reed Krakoff recibió un premio del Whitney Museum of American Art. Para marcar el evento, reclutó a varios artistas,en particular, el escultor y grabador Kiki Smith y el fotógrafo Nan Goldin, para ayudarlo a crear versiones personalizadas de su popular bolso de mano Reed Krakoff Track; Los totes se exhibieron en la ceremonia de premiación y luego se pusieron a la venta en la tienda de regalos.
En 2007, los diseños de Damien Hirst para Levi's y Takashi Murakami para Louis Vuitton (exhibidos en una tienda de regalos incorporados a una retrospectiva de su trabajo en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles) provocaron un acalorado debate crítico sobre la relación entre las bellas artes y el consumismo . Sin embargo, en 2013, estos productos diseñados por artistas no solo eran deseados por los consumidores, sino que también estaban siendo revisados por los críticos. Además, los artistas buscaban ansiosamente las comisiones por los productos y la publicidad que generaban. Los artistas callejeros Retna, Aiko y el equipo de hermanos gemelos Os Gemeos crearon atrevidos motivos de graffiti para las lujosas bufandas y estolas de seda de Louis Vuitton. La línea de ropa masculina de otoño-invierno de Vuitton presentaba un conjunto de pies a cabeza elaborado por los hermanos Chapman (Jake y Dinos).Su motivo "Garden in Hell" presentaba una tela estampada con ramas entrelazadas, flores y animales estilizados sobre un fondo rojo sangre inspirado en el apartamento de Vreeland en Manhattan. La casa de modas Alexander McQueen eligió a Hirst para crear una nueva edición del pañuelo de calavera del difunto diseñador para celebrar el décimo aniversario de la introducción de la línea de pañuelos de McQueen; Hirst recreó los seductores insectos, mariposas y arañas de su propia serie de Entomología de 2009 como accesorios que se arrastran en los cráneos característicos de McQueen.Hirst recreó los seductores insectos, mariposas y arañas de su propia serie de Entomología de 2009 como accesorios que se arrastran en los cráneos característicos de McQueen.Hirst recreó los seductores insectos, mariposas y arañas de su propia serie de Entomología de 2009 como accesorios que se arrastran en los cráneos característicos de McQueen.
Los diseñadores habían recurrido durante mucho tiempo a las artes en busca de inspiración, sobre todo como se ve en el vestido Mondrian de bloques de color de Yves Saint Laurent (1965) y su línea de arte pop (1966), que presentaba apliques gráficos de corazones y rostros. McQueen transportó el estudio a la pasarela durante su desfile de primavera-verano de 1999 cuando evocó dos robots rociadores de pintura para transformar el No. 13, un vestido de muselina sin tirantes usado por la modelo Shalom Harlow mientras giraba en un tocadiscos, en un negro y amarillo. pintura abstracta. En las colecciones de otoño de 2013, varios diseñadores rindieron un homenaje distintivo al léxico histórico-artístico: Maria Grazia Chiuri y Pier Paolo Piccioli revisaron las siluetas y las telas de lujo del retrato flamenco en prêt-à-porter para Valentino. Arte bizantino adaptado de los mosaicos ubicados en la ciudad de Ravenna, Italia, adornó los conjuntos de Dolce & Gabanna,que fueron complementados con pequeñas coronas de oro. El diseñador Raf Simons tomó al artista Andy Warhol como su musa al idear divertidos motivos gráficos para Dior. Sin embargo, fueron Viktor & Rolf quienes fusionaron a la perfección diseño y rendimiento. Regresaron a sus raíces en la alta costura para su desfile del 20 aniversario en París, creando prendas envolventes en opulenta lana de color negro mate. Cada modelo caminó lentamente hacia la pasarela, se detuvo y se dejó caer al suelo en una pose que transformó su cuerpo vestido en una escultura. Los impresionantes cuadros colectivos, que evocan las formas simples pero conmovedoras de las rocas dispuestas deliberadamente en un jardín de meditación Zen, ponen fin a la inquietante pregunta sobre los límites entre el arte y la moda. Al rechazar la diferencia entre el arte conceptual y el diseño de moda, Viktor & Rolf redefinió la moda como arte de performance.
